Sevgililer Günü yaklaşıyor! Yüzyıllar boyunca sanatçılar, eşler arasında, aile içinde ve hatta manevi anlamda aşkı farklı şekillerde göstermişlerdir. İşte aşkın güzelliğini gösteren en ünlü ve etkileyici on sanat eseri:
1. The Kiss (Gustav Klimt, 1907–1908)
Gustav Klimt’in Öpücük adlı eseri, aşkın en ünlü tabloları arasında yer alır. 1907-1908 yıllarında resmedilen tabloda, altınla çevrili bir ortamda birbirlerine sıcak bir kucaklaşma içinde olan bir erkek ve bir kadın tasvir edilmiştir. Klimt, tabloya parlaklık katmak için gerçek altın, gümüş ve platin kullanmıştır.
Klimt, farklı tarzı ve cesur desenlere olan sevgisiyle tanınırdı. Resimleri, o dönemde çoğu sanatçının yaptıklarından farklıydı, bu da bazılarının eserlerini eleştirmesine neden oldu. Ancak birçok kişi ona hayranlık duyuyordu ve sanatı, Oskar Kokoschka ve Egon Schiele gibi genç sanatçılara ilham verdi.
Öpücük, Klimt’in İtalya’ya yaptığı ziyaretten etkilenmiştir. Klimt, Ravenna’da altın mozaikler görmüştür. Erkeğin cüppesindeki geometrik şekiller ile kadının elbisesindeki yumuşak, akıcı desenlerin karışımı, erkeğin gücü ile kadının nezaketi arasındaki zıtlığı göstermektedir.
İnsanlar, tablodaki çiftin kimler olabileceği konusunda farklı fikirler sahibidir. Bazıları kadının Klimt’in yakın arkadaşı Emilie Flöge olduğunu düşünürken, diğerleri kadının Red Hilda adlı bir modele benzediğini düşünmektedir. Hatta bazıları, resmin Apollon ve Daphne veya Orpheus ve Eurydice gibi Yunan mitlerinden esinlendiğini söylüyor.
Bazı insanlar Klimt’in eserini çok cesur bulsa da, Öpücük onun en sevilen resmi oldu. Altın rengi parıltısı duyguları derinlemesine yansıtıyor ve güzel detayları onu aşk ve tutkunun zamansız bir sembolü haline getiriyor.
2. Romeo and Juliet (Sir Frank Dicksee, 1884)
Şimdiye kadar anlatılmış en büyük aşk hikayelerinden biri, Shakespeare’in Romeo ve Juliet adlı eseridir. İlk kez 1597’de yayınlanan bu trajik genç aşıklar hikayesi, tiyatro sahnelerinde, filmlerde ve sanat eserlerinde birçok şekilde sergilenmiştir. Frank Bernard Dicksee’nin 1884 yılında yaptığı ve Southampton Şehir Sanat Galerisi’nde sergilenen ünlü bir tablo vardır. Tablo, Romeo’nun balkondan ayrılmadan hemen önceki anı, bacağını balkondan sarkıtmış halde Juliet ile öpüşürken gösterir. Bu sahne, aşklarının aciliyetini ve güçlü duygularını yansıtır.
Babası ve Kraliyet Akademisi’nde resim öğrenen Dicksee, genellikle romantik ve tarihi sahneleri resmederdi. Parlak renkler ve detaylı sanatın kullanıldığı Pre-Raphaelite akımından ilham aldı. 1880’lerde Dicksee, Romeo ve Juliet‘in özel bir baskısı için illüstrasyonlar da yaptı ve bu resim de bunlardan birine dayanmaktadır. Resim, Romeo’nun ayrılmadan hemen önce “Elveda, elveda, bir öpücük ve aşağı ineceğim” dediği anı göstermektedir.
Dicksee’nin stili zamanla daha duygusal hale gelse de, resmi hala Romeo ve Juliet arasındaki derin aşkı yansıtmaktadır.
3. The Banjo Lesson by Henry Ossawa Tanner
Henry Ossawa Tanner‘ın Banjo Dersi adlı eseri, Sevgililer Günü’nde kutladığımız aşk gibi, en sessiz ve en besleyici haliyle sevgiyi hatırlatan güzel bir eser. Resimde, yaşlı bir adam genç bir çocuğa banjo çalmayı öğretiyor ve sabır ve özenle sevgisini gösteriyor. Bu sevgi, bağırarak veya büyük jestlerle ifade edilen bir sevgi değil, çocuğu nazikçe yönlendirip destekleyerek onun büyümesine ve öğrenmesine yardımcı olan bir sevgi.
Sevgililer Günü’nde genellikle romantik aşkı düşünürüz, ancak bu resim bize sevginin aynı zamanda öğretmek, rehberlik etmek ve sevdiğimiz kişilerle anları paylaşmak olabileceğini gösteriyor. Adamın çocuğun bileğini özenle tutuşu, sevginin sadece sözlerle değil, eylemlerle de gösterilebileceğinin mükemmel bir örneğidir.
4. Le Baiser de l’Hôtel de Ville (Robert Doisneau, 1950)
Paris’in kalabalık bir caddesinin ortasında, bir adam ve bir kadın sanki zaman durmuş gibi öpüşüyorlar. Fransız fotoğrafçı tarafından çekilen bu ünlü fotoğraf, aslen Life dergisi tarafından 1950 yılında Paris’te bahar mevsiminde aşk konulu bir sayı için sipariş edilmişti. Yayınlandıktan sonra, fotoğraf 30 yılı aşkın bir süre boyunca unutulduktan sonra 1986 yılında yeniden ortaya çıktı.
Robert Doisneau, Life‘ın bu görevi için mükemmel bir fotoğrafçıydı. İkinci Dünya Savaşı’ndan sonra, kariyerinin büyük bir bölümünü Paris sokaklarını fotoğraflamakla geçirdi ve günlük hayatı hem nostaljik hem de büyülü bir şekilde yakaladı. Siyah-beyaz fotoğrafları efsanevi hale geldi.
Mükemmel kareyi ararken Doisneau, bir kafede öpüşen genç bir çifti fark etti. Onları gizlice fotoğraflamak yerine yanlarına yaklaşarak 500 frank (bugün yaklaşık 1.460 avro) karşılığında bu anı sahnelemelerini teklif etti. Çift kabul etti ve Doisneau onları kalabalık bir kaldırımda öpüşürken fotoğrafladı. O zamanlar çiftin isimlerini bilmiyordu ve kimlikleri onlarca yıl boyunca gizemini korudu.
Fotoğraf, 1986 yılında Life dergisi onu poster olarak satmaya karar verdiğinde yeniden ortaya çıktı. Anında büyük bir başarı elde eden fotoğraf, dünya çapında 400.000’den fazla kopya satarak The Kiss at the Hôtel de Ville‘i şimdiye kadar çekilmiş en ünlü fotoğraflardan biri haline getirdi. Şaşırtıcı bir şekilde, Doisneau bu fotoğrafa pek düşkün değildi ve “Bu başarı, bunun kolay bir etki olduğunu gösteriyor. İnsanlar onu mutlu bir anı temsil ettiği için seviyorlar.”
1992’de Lavergnes adlı bir çift, fotoğrafta görünen sevgililer olduklarını iddia ederek Doisneau’yu mahremiyetlerini ihlal etmekle suçlayarak 500.000 frank tazminat davası açtı. Kısa süre sonra Françoise Delbart adlı bir kadın, imzalı orijinal bir baskı ile ortaya çıkarak fotoğraftaki gerçek kadın olduğunu iddia etti. Doisneau, Delbart’ın hikayesini doğruladı: 1950 yılında Delbart, Cours Simon‘da tiyatro öğrencisiydi ve erkek arkadaşı Jacques Carteaud, fotoğraftaki adamdı.
Delbart, fotoğrafın başarısından para kazanmaya çalışırken, eski partneri Carteaud, “fotoğraf hikayesini para hikayesine dönüştürmek istemediğini” söyleyerek bu işe karışmayı reddetti. Sonunda mahkeme tüm iddiaları reddetti. Lavergnes’ler fotoğrafta olduklarını kanıtlayamadılar ve Delbart’ın yüzü, görüntü haklarını talep edebilecek kadar net görünmüyordu.
Yıllar sonra, 2005’te Delbart, orijinal imzalı baskısını müzayedede sattı. Fotoğraf, 185.000 avro gibi şaşırtıcı bir fiyata satıldı ve Öpücük‘ün tüm zamanların en sevilen fotoğraflarından biri olduğunu kanıtladı.
5. The Wedding Dance (Pieter Bruegel the Elder, 1566)
Bu tablo, 1566 yılında Belçika’nın Brüksel kentinde yaratılmış olup, Pieter Bruegel the Elder’ın ünlü eserlerinden biridir. Günlük yaşamın ayrıntılı sahnelerine odaklanan Kuzey Rönesans sanat akımına aittir. 119,4 x 157,5 cm boyutlarındaki tablo, şu anda Amerika Birleşik Devletleri’ndeki Detroit Sanat Enstitüsü’nde sergilenmektedir.
Eser, açık havada gerçekleşen neşeli bir düğün kutlamasını göstermektedir. Ortada, erkekler ve kadınlar enerjik bir şekilde dans ederken, hareketleri hayat doludur. Etraflarında, diğer konuklar sohbet ederken, dansı izler ve yiyecek ve içeceklerin tadını çıkarırlar. Ağaçlarla çevrili ortam, Flaman kırsalını temsil ederken, arka planda daha fazla kutlama belirtileri görülmektedir.
Bruegel, her bir kişinin yüzünü ve kıyafetlerini özenle resmederek her karakteri hayata geçirmiştir. Renkler zengin ve doğaldır; kırmızılar, maviler ve beyazlar yeşil ağaçlar ve kahverengi toprak üzerinde öne çıkmaktadır. Resim, 16. yüzyılda insanların nasıl bir araya gelerek kutlama yaptıklarını, dans ettiklerini ve birbirlerinin arkadaşlığının tadını çıkardıklarını güzel bir şekilde göstermektedir. Bruegel, bu canlı sahneyle bizi zamanda geriye götürerek, neşeli bir köy kutlamasının mutluluğunu ve birlikteliğini görmemizi sağlar.
6. Unrequited Love: Urvashi and King Pururavas circa (1870)
Hindistan’ın en saygın sanatçılarından biri olan Raja Ravi Varma, karşılıksız aşkı anlatan bir hikayeyi resminde hayata geçiriyor. Bu eserde, özlem dolu bir anı yaşayan bir erkek ve bir kadın görüyoruz. Kadın, erkeğin ulaşamayacağı bir mesafeye süzülürken, erkek gözleri hayranlıkla dolu bir şekilde umutsuzca ona tutunuyor.
Adam yukarı bakarken, elini kalbinin üzerine koyarken, onun aşkını neredeyse hissedebiliyorsunuz. Ancak kadın, hiç etkilenmemiş bir şekilde, elini uzatarak ona bakıyor ve sessiz bir jestle ona durmasını söylüyor.
Ancak bu sahne sıradan bir hikaye değil. Sanskrit draması Vikramorvasiyam‘daki Kral Pururavas ve göksel perisi Urvashi’nin ünlü aşk hikayesine dayanıyor. Zaman kadar eski, ancak duygusal çekiciliği hala çok güçlü bir hikaye.
Bu eserin renkleri nefes kesici. Urvashi’nin elbisesinin yumuşak pembesi, gökyüzünün sakin mavisi ve yeşiliyle güzel bir kontrast oluşturuyor. Giysilerden karakterlerin yüzlerine kadar her şeyin zarif ve güzel olduğu bu sahnenin tamamında belirli bir zarafet var.
7. The Meeting on the Turret Stairs by Frederic William Burton, 1864.
Şunu hayal edin: Hellelil, güçlü bir hükümdarın kızı, neredeyse ortaçağ kraliyet ailesinden. Hayatı önceden belirlenmiş, ayrıcalıklı ama kontrol altında. Hildebrand, onu korumaya yemin etmiş bir şövalye. Ama onu korumak yerine, onun kalbini çalar. Bu klasik bir “yasak aşk” durumu, ancak kahve içmek için gizlice kaçmak yok – sadece kule merdivenlerinde çalınan bakışlar ve babasının öfkesinin sürekli tehdidi var.
Kral bunu öğrenince ortalık cehenneme döner. Hellelil’in kardeşlerini, düşünülemez bir şey yapmaya gönderir: Hildebrand’ı ortadan kaldırmak. Böylece çift kaçar. Ancak bu tür aşk hikayeleri nadiren “sonsuza kadar mutlu” ile biter. Ormanda saklanırken, Hellelil’in ailesinin yaklaştığını duyarlar. Hildebrand, kaybedecek her şeyi olan bir adam gibi savaşır ve Hellelil’in babasını ve altı kardeşini öldürür. Tam başaracak gibi göründüğü anda, kaosun içinde bunalan Hellelil, onun adını haykırır — her şeyi değiştiren, çaresiz, içgüdüsel bir çığlık. Kalan son kardeşi bunu duyar ve tek bir ölümcül darbeyle Hildebrand yere yığılır. Yıkılan Hellelil, fazla dayanamaz. Bir zamanlar kaçış yolu olan aşk, onun sonunu getirir.
Burton’ın The Meeting on the Turret Stairs adlı eseri, genellikle onun en büyük eseri ve en Pre-Raphaelite tablosu olarak görülür. Rossetti’nin dramatik ortaçağ sahnelerinden ve Burne-Jones’un romantik imgelerinden esinlenen bu tablo, kısa ama yoğun bir anı yakalar: Zincir zırh giymiş Hildebrand, Hellelil’in sırtını dönüp merdivenlerden yukarı çıkarken kolunu öper. Ayaklarının dibindeki beyaz güller, gerçek aşkı ve sadakati simgeler.
2012 yılında İrlanda’nın en sevilen tablosu seçilmesine rağmen, 1864’teki ilk sergilenişinde karışık eleştiriler almıştır. Bazı eleştirmenler detayları ve duygusallığını övmüş, diğerleri ise renklerin, özellikle Hellelil’in parlak mavi cüppesinin, çok sert olduğunu düşünmüştür. Bazıları ise tabloyu dramatik olmaktan çok dekoratif bulmuştur. Ancak, ilk eleştirilere rağmen, tablo aşk ve kayıpları çarpıcı bir şekilde betimleyen bir eser olmaya devam etmektedir.
8. The Lovers by Rene Magritte, 1928
René Magritte’nin The Lovers adlı eseri gizem konusunda bir ustalık örneğidir. İlk bakışta basit görünüyor: sonsuz bir boşluğun önünde öpüşen bir çift. Ancak bir ayrıntı var: yüzleri tamamen kumaşla örtülü. Sevgi dolu bir an yerine, rahatsız edici bir his bırakıyor. Aralarındaki bağ hem samimi hem de uzak hissettiriyor ve bir soru ortaya çıkıyor: gerçekten birlikte mi, yoksa sadece bir illüzyona mı kapılmışlar?
Magritte, algıyla oynamayı severdi. Sürrealist akımın önemli bir figürü olarak, gerçekliğe meydan okumak için rüya gibi imgeler kullanırdı. I. Dünya Savaşı’ndan sonra, onun gibi sanatçılar, Salvador Dalí ve Joan Miró, bilinçaltına yönelerek, sanatı gizli duyguları ve keşfedilmemiş korkuları keşfetmek için kullandılar. Amaçları neydi? Bildiğimizi sandığımız şeyleri altüst etmek.
Bazıları, The Lovers‘ın Magritte’in maskeli suçlu Fantômas‘a olan hayranlığından esinlendiğini düşünürken, diğerleri daha kişisel bir bağlantı görüyor: annesinin trajik boğulması ve cesedi bulunduğunda yüzünü örten geceliği. Ancak Magritte bu açıklamaları reddetti. Resimlerinin belirli bir anlamı olmadığını, sadece gizemli olduğunu ısrarla savundu.
Ve belki de asıl mesele budur. The Lovers, bizi ilişkilerimizle yüzleşmeye zorlar. Örtülü yüzler, duygusal duvarları, gerçekten görülme korkusunu veya kendimizi korumak için taktığımız maskeleri sembolize ediyor olabilir. Sonuçta aşk, bağlantı kadar özlemle de ilgilidir. Sevdiklerimiz tarafından gerçekten anlaşılıyor muyuz, yoksa yüzeyin altında yabancılar olarak mı kalıyoruz?
Magritte bize cevaplar vermez, sadece, tablosundaki aşıklar gibi, yakınlık ve uzaklık arasında sıkışıp kalmış, akılda kalan bir soru bırakır.
9. Cupid and Psyche (Jacques-Louis David, 1817)
Jacques-Louis David’in Cupid ve Psyche yorumunda, tipik bir rüya gibi aşk hikayesi anlatılmıyor. David, Cupid’i mükemmel, ruhani bir aşık olarak betimlemek yerine, senaryoyu tersine çeviriyor: Onun Cupid’i, kendi zaferine sırıtan, beceriksiz bir genç. Bu, mitolojiyle genellikle ilişkilendirdiğimiz görkemli, idealize edilmiş bir aşk hikayesi değil, çok daha insani, neredeyse yaramazca bir hikaye.
Hikaye klasik bir hikayedir: Cupid ölümlü Psyche’ye aşık olur ve her gece onu ziyaret eder, ancak tek bir şartla: Psyche onun yüzünü asla göremez. Geleneksel olarak Cupid, ilahi, kusursuz bir figür olarak gösterilir. Ancak David, Cupid’i bir tanrıdan çok bir velet olarak resmeden Moschus’un Yunan şiirini de içeren, daha az bilinen eski metinlerden ilham alarak farklı bir yol izlemiştir. Cupid, keskin gözlü, kıvırcık saçlı ve biraz kötü kalpli bir karakterdir.
David’in yorumu, mükemmel aşk fantezisine meydan okur. Sadakat ve kaderle ilgili bir hikaye yerine, arzu, gizlilik ve güç dinamiklerini eğlenceli (ve biraz alaycı) bir şekilde ele alır. David’in ima ettiği gibi, aşk her zaman şiirsel bir özlem değildir; karmaşık, kusurlu ve bazen de biraz kendini beğenmiş olabilir.
10. In Bed: by Henri de Toulouse-Lautrec, 1892.
Henri de Toulouse-Lautrec’in “Yatakta” adlı eseri sadece bir tablo değil, samimi bir anın iç yüzünü gösteren bir bakış. Paris’teki Musée d’Orsay’da sergilenen bu post-empresyonist başyapıt, büyük bir hikaye anlatmaya çalışmıyor. Bunun yerine, son derece kişisel bir şeyi yakalıyor: paylaşılan mekanın sıcaklığı, sabahın erken saatlerinin sükuneti, iki kişi arasındaki sessiz anlayış.
Sahne basit ama etkileyicidir. Bir figür gözleri kapalı, kolları başının arkasına koymuş, tamamen rahat bir şekilde uzanmıştır. Diğeri ise başını ona yaklaştırmış, belki de düşüncelere dalmış ya da hayranlıkla bakmaktadır. Burada bir performans yoktur, sadece yumuşak, uykulu bir huzur içinde bir arada var olan iki ruhun sözsüz yakınlığı vardır.
Toulouse-Lautrec’in fırça darbeleri gevşek ve etkileyicidir, çarşaflara ve cilde doku katarak her şeyi canlı ama rüya gibi hissettirir. Yatağın ve figürlerin yumuşak tonları, daha cesur arka planla kontrast oluşturarak sıcaklığı artırır.
“Yatakta” sadece bir yatak odası sahnesini tasvir etmekle kalmaz, bizi onu hissetmeye davet eder: kelimelerin ötesinde var olan bir anın rahatlığını, hassasiyetini, geçici samimiyetini.
